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CORNFLAKES HEROES

Tycho Brahe — 2008-10-22T17:13:55Z

Eh eh ! on pourrait entamer la chronique de Dear Mr Painkillers, le second album de Cornflakes Heroes sur le label Greed Recordings par le discours journalistique de convenance. Il porterait sur « la difficulté de passer l'épreuve du deuxième opus pour un groupe ayant réussi avec succès un premier album ». Alors, on pourrait évoquer avec un plaisir encore frais l'enthousiasme qu'avait suscité les (multiples) écoutes de Off with your heads. On jouerait ensuite aux jeux des 7 différences entre les 2 œuvres pour servir un propos. Il consisterait à rappeler combien, véritablement, ce parcours initiatique est ardu que le groupe n'aurait pas réussi à cheminer. Ou bien, au contraire, il soulignerait son talent à franchir cette étape décisive. Cette dialectique faussement circonstanciée présenterait en outre l'avantage de pouvoir être reproduit – moyennant quelques modifications – lors de la sortie du troisième album.

Las, contentons nous de parler de l'album et de la musique produite par les caennais. Et… hum hum… bon à vrai dire la première chose marquante quand on écoute ces nouveaux morceaux, c'est le changement au niveau de la production qui, aux heurts et reliefs de Off with your heads, propose un son plus lissé, plus compressé, peut être aussi plus travaillé. Ce choix artistique rend, de manière un peu paradoxale, plus complexe l'entrée dans les morceaux dont on n'arrive pas bien à saisir les prises, peu visibles.

Présumons que tout commencera par « Let me be your tamagotchi ». C'est assez incroyable de voir qu'une guitare jouée sur une corde, quelques notes de clavier, une batterie groovy, une trompette délicieusement fausse (de toute façon, il n'y a que fausse qu'une trompette nous plaît) et des paroles catchy peuvent former une pop-song et que cette pop-song peut vous avoir un goût d'imparable aussi facilement. Et puis ensuite viendrait « Baby honey »… c'est encore pire, c'est une mélodie maigrichonne jouée au ukulélé à peine de quoi jeter une oreille tellement c'est entendu ! Au moment où on pourrait se dire ça, notre conscience jaillit. Cornflakes heroes sait non seulement jouer avec une nonchalance cool qu'on envie tellement aux groupes américains, mais possède également une personnalité vocale très forte qui réside autant dans le timbre attachant de Thomas que dans les arrangements vocaux subtils et réjouissants.

Ensuite, on peut repartir du début et se laisser à savourer les chansons « sex on channel 4 », « waiting for you », « bloody valentine » et leur dynamisme communicatif allié à un sens des arrangements simples mais ultra efficace. On peut laisser décanter les ambiances plus subtiles de « trigger dear », « Rotten throat sweating pores » (catpowerienne dans le sens « premiers albums » du terme), « Good morning naked city » (ils n'auraient pas tourné avec Herman Düne ?). On peut enfin regretter que l'équilibre ne soit pas encore complètement atteint sur certaines autres chansons (temps de maturation insuffisant ?).

Tout ça pour dire que Dear Mr Painkillers confirme tout le bien qu'on pense de Cornflakes Heroes qui reste un des groupes indie-pop les plus talentueux de l'hexagone, même si… on ne peut pas s'empêcher d'éprouver une toute petite pointe de déception par rapport aux attentes nées de l'enthousiasme du premier album (ah purée, ça fait pourtant un bail que j'ai arrêté l'abonnement aux Inrocks…).

MONKEY

Dr Bou — 2008-09-01T19:00:42Z

Si 2008 est marquée par l'emprunte de la Chine ce n'est pas uniquement du fait de ses jeux olympiques, ni de sa couverture médiatique. Elle s'illustre aussi musicalement par l'entreprise de très bons albums ; des fines sonorités de Wu Man aux orchestrations spacieuses de Sparrow. En cette rentrée c'est Monkey, The Journey To The West qui truste toute notre attention.

Basé sur la légende de Sun Wukong (devenu Songoku sous la plume d'Osamu Tezuka et surtout Dragon Ball avec Akira Toriyama) et de son voyage initiatique en compagnie du bonze Xuanzang, du cochon Zhu Bajie et de Sha Wujing ; le dernier projet de Damon Albarn est une féerie visuelle et sonore s'architecturant autour d'un opéra composé de quarante-cinq comédiens, acrobates et d'un grand orchestre, le tout mis en scène par le cinéaste Chen-Shi-Zheng (Dark Matter).

Extension discographique de cet opéra, Monkey, Journey To The West n'est pas, à proprement parler, un album mais une bande son sophistiquée alliant folklore traditionnel et imageries pop. Soit un incessant télescopage entre la musicalité de l'opéra de Beijing (Monk's Song) et les bidouillages colorés de Damon Albarn (I Love Buddha) et le tout rehaussé par un parterre de cuivres orchestrés qui dévoile également tout l'attirance du compositeur anglais pour son compatriote Michael Nyman (Battle In Heaven, Disappearing Volcano). Une confrontation des genres (musique contemporaine, pop/electro, folklore chisnois) qui aboutit à une parfaite cohésion ou chacun trouve naturellement sa place. En résulte une ossature musicale dense sur laquelle viennent se greffer les chants typiquement chinois qui même trafiqués ou filtrés demeurent un des nombreux attraits de cet album (Heavenly Peach Ballet, Pigsy In Space).

Au final, Monkey, Journey To The West risque fort de désappointer les fans de Gorillaz avides de tubes dévastateurs car à part deux ou trois plages, peu de thèmes formatés mais une vraie alchimie détonante qui rejoint dans l'esprit Mali Music autre étincelant projet de Damon Albran.

Site du projet / Son Myspace

XAVIER JAMAUX & FRED AVRIL

Dr Bou — 2008-08-26T19:10:17Z

Sparrow (moineau) est le qualificatif désignant, à HongKong, les pickpockets qui virevoltent dans les rues de la ville. Sparrow c'est aussi le titre du denier film de Johnnie To (Election, Breaking News, Full Time Killer...). Un petit film frais et vivifiant qui relate les mésaventures d'une bande de pickpockets confrontée à l'un des caïds de la ville. Si le film ne s'avère être l'un des meilleurs de la filmographie du réalisateur chinois, sa bande originale, en revanche, est une grande réussite musicale. On la doit à deux français Xavier Jamaux et Fred Avril pas si inconnus que ça puisque le premier, membre d'Orange et d'Ollano, a déjà composé quelques BO pour Jean-Pierre Limousin (Tokyo Eyes 1998, Young Yakuza 2008) et le second a sorti un disque That Horse Must Be Starving sur le label F-Communication. Deux fortes personnalités musicales qui s'étaient déjà rencontrées autour de la composition de Mad Detective avant dernier film du même réalisateur.

Pour donner corps à cette magnifique BO, nos deux comparses ont puisé leurs inspirations parmi les grands noms de musiques de films des années 60. On y reconnaît l'ombre mélodique d'Ennio Morricone (Simon's Ride), l'emprunte urbaine et feutrée de Lalo Schifrin (Gimme A Lift), le dandysme orchestral de Michel Legrand (Friends Ater All) le tout saupoudré d'exotisme chinois par l'entremise de l'erthu violon chinois à deux cordes.

Combinant orchestrations ariennes, swingue jazz, mélodies enivrantes, Sparrow s'inspire de ses illustres maîtres mais sans toutefois les copier. Les apports conjoints de Xavier Jamaux et Fred Avril donnent à l'ensemble une candeur nostalgique et sophistiquée derrière laquelle se dissimulent quelques touches bien modernes notamment dans l'utilisation des éléments harmoniques chinois au cœur des compositions. Un croisement des genres (passé, modernité – orient, occident) qui en rappelle un autre celui de Hong-kong qui combine en son sein majestueux bâtiments impérialistes et gratte-ciels asiatiques.

Petit chef d'œuvre en son genre, Sparrow est une éblouissante ballade musicale dédiée à un Hong-Kong fantasmé. Une ode orchestrale dont la beauté n'est pas prête de se faner.

ENOZ

Dr Bou — 2008-08-24T07:45:41Z

Qu'est ce que le jazz ? A cette épineuse question, point de réponse tout faite si ce n'est, parfois, quelques clichés mal fagotés. En vérité, le jazz n'est pas seulement vocal mais non plus, exclusivement, instrumental. Le jazz s'apprécie autant pour ses mélodies que pour ses moments free tout à l'image de son écriture parfois posée souvent improvisée. Mélange de cadre définis et de règles aboulies, le jazz se définit par son audace et sa liberté comme atteste le premier album de Enoz.

Quintet formé de Pierre Dayraud (batterie, percussions), Cathy Tardieu (cristal Baschet, tôle à voix), Marc Demereau (électroniques, saxophone, scie musicale), Jean-Denis Rivaleau (batterie électronique et acoustique) et de Laurent Paris (percussions, ballon, flûte, objets) ce premier album d'Enoz s'aborde comme un carnet de voyage imparfait fruit des influences conjuguées de ses différents membres. En ressort onze compositions hétéroclites, plus ou moins courtes, plus ou moins sophistiquées ou l'art de la rythmique en est le noyau dur sur lequel gravitent sons et sonorités recyclés ou broyés. En ce sens Enoz n'est jamais à court d'idées et conjugue instantanés d'Afrique (Groove 32), clichés industriels (Atelier Clandestin), rythmes d'Asie du sud (Dehors Y'a Du Bruit) sous fond de bribes cuivrées, de gimmicks electro détraqués ou de bruits cristallins.

Pas aussi free que l'on peut le penser, ce premier disque d'Enoz est un constant « work in progres » sans cesse en (dé)construction ou la rythmique omniprésente déploie des trésors d'inventivités au profit de mélodies à géométries variables qui ne cessent de se dévoiler au fil des écoutes.

Myspace du groupe

LEILA

Dr Bou — 2008-08-20T18:42:54Z

S'il est encore trop tôt pour dresser un bilan sur cette année musicale, nous pouvons, néanmoins, pointer une tendance qui se confirme au fil des mois. Celle des grands retours gagnants. Après le magnifique mais imparfait Third de Portishead, c'est au tour de Leila d'effectuer son retour avec son troisième album intitulé Blood, Looms And Blooms sorti sur le label Warp.

Si son second album Courtney Of Choise (sorti en l'an deux mille sur XL Records) décevait quelque peu sur la longueur, ce troisième opus comble à merveille ces huit années d'absence. L'entrée en matière se fait d'ailleurs de la plus belle de façon par un instrumental alambiqué ou de lourdes basses métronomiques et claviers acidulés forment d'admirables boucles enivrantes qui ne cessent de monter en puissance. On poursuit en douceur par la voix chaleureuse de Terry Hall soutenue par un parterre électronique espiègle et malicieux.

En suivant on tombe sur Little Acorns pseudo R'n'B enfantin joyeusement détourné par les voix très colorées de Khemahl et de Thaon Richardson. Le reste de l'album suit ces montagnes russes féeriques conviant plages purement instrumentales (Mettle, Young Ones) et chansons électroniques ou de prestigieux invités font leur apparitions : Roya Arab sa sœur (Daisies, Cats And Spacemen), l'incontournable Luca Santucci présent sur tous ses albums (Teases Me, Norwegian Wood) et la nouvelle venue Maria Topley Bird (Deflect)

Fougueux, énergique, légèrement bordélique, terriblement électronique, Blood, Looms and Blooms prolonge les premiers ébats de Like Weather et s'affirme comme le meilleur album de Leila. A écouter sans modération.

Myspace de Leila / Warp Records

LES FRAGMENTS DE LA NUIT

Dr Bou — 2008-08-17T17:56:34Z

Musique Du Crépuscule fait parti de ces albums inattendus et non convenus dont l'attrait (pochette de disque terriblement gothique, nom du groupe passablement désuet) n'est pas franchement immédiat. Pour autant, on aurait bien tort de ne pas tenter la découverte tant Musique Du Crépuscule se révèle être fabuleux, croisement épique entre musique classique et musique contemporaine, ambiances orchestrales et plages cinématographiques.

Composé de cinq membres (trois violons, un violoncelle et un piano) Les Fragments De La Nuit hante depuis quelques années l'image de quelques courts et moyens métrages (Blanche d'Eric Griffon Du Bellay ou Hypocondrie Or Not To Be d'Antonio De Oliviera...). C'est d'ailleurs ce goût prononcé pour le cinéma et les ambiances clairs-obscurs qui a poussé le groupe à sortir leur premier album, alliage sophistiqué de cordes frappées, frottées ou même chantées.

A l'image de la BO de Dracula (réalisé par Tod Browning en 1931) écrite par Philip Glass et interprétée par le Kronos Quartet, les compositions de Musique Du Crépuscule exaltent tour à tour un parfum de romantisme exacerbé (Assault, La Ronde Des Fées), d'enivrantes comptines (Solitude, Soleil Noir Pour Lune Blanche) ou de fantomatiques mélopées (La Chambre Des Fées, Le Château Enchanté, Alpha Du Centaure). Un répertoire large et varié mais cohérent sur la longueur grâce à un sens inné des mélodies capiteuses et des ambiances très cinématographiques.

Intemporel, ce premier disque des Fragments De La Nuit surprend autant qu'il éblouit. Une belle découverte atmosphérique.

Myspace du groupe / Site du groupe / Son label

LODZ

Dr Bou — 2008-08-11T19:58:33Z

Au dehors, le silence de l'hiver sans voix. La neige à perte de vue. Tout semble immobile, le temps comme suspendu. A l'intérieur d'une ancienne ferme, la chaleur d'un feu de bois, son crépitement. Des enfants jouent aux adultes et les adultes s'inventent des contes pour enfants. Quelques notes de piano traversent la pièce. Une voix douce et feutrée distille des mots tantôt appuyés, tantôt murmurés. Dehors l'hiver, toujours, impassible et imposant son temps, ses mots et ses souvenirs.

Voici en substance l'univers de LoDz et de son premier album : Heniek. Journal intime sonore ballotant entre musique classique et contemporaine (Ravel, Bela Bartok), electro feutrée (Tellemake) et expérimentations intimes (Dorine Muraille). Douze plages de sa vie, douze souvenirs enfouis, douze rêves éveillés qui laissent filtrer une musique centrée sur des mélodies pianistiques habillées délitacement d'eletro puis appuyées par quelques mots. Bout de poésie, bout de vie, LoDz joue une musique ouatée, hivernale, parsemée de ruptures qui enveloppe aussitôt l'auditeur.

Comme un poème en prose, comme les mots qui dansent sur des lignes, LoDz tisse ses vers musicaux à l'envie. Et c'est tant mieux car son premier album donne envie d'en découvrir d'avantage et de se laisser continuellement bercer par un si bel univers.

Myspace de LoDz / Site du label / Myspace du label

MILOS UNPLUGGED

Dr Bou — 2008-08-10T20:10:58Z

Passionné, Milos Unplugged l'est assurément, non content de tenir un bar musical l'El Inca (à Bordeaux) à la programmation pointue, Milos compose et joue aussi sa propre musique. Une musique unique et personnelle faite avec les moyens du bord et sans arrières pensées orientées. Une musique indépendante comme on les affectionne, simple et terriblement accrocheuse qui nous procure à chaque écoute moult petits plaisirs auditifs.

Pour son premier album, Milos Unplugged a enregistré dans les conditions live et acoustiques délaissant, le temps d'un incroyable marathon sonore, ses guitares acérés. Peu d'électricité donc sur The Mountain People Of The Desert mais un ensemble d'instruments (guitare, batterie, clavier, trompette, mélodica, xylophone, choeurs féminins …) au service d'une anti-folk orchestrée, colorée, un brin américanisée avec pour références tutélaires Smog, Sufjan Stevens et plus généralement toute la nouvelle scène folk américaine.
Qu'ils soient imparables (Peace Of Mind, The Letter), entêtants (Annihiliation, Blood Brother) ou plus tempérés (Holy Breathing, Industrial Desease, Simon), les dix titres que composent ce premier album dévoilent une voix chaleureuse et éclairée soutenue par d'amples mélodies ou la trompette, loin de constituer une toile de fond musicale, tisse d'admirable arabesques sonores.

Au final The Mountain People Of The Desert est un petit disque qui a l'étoffe des grands et Milos Unplugged un artiste encore inconnu dont on ne serait taire son indéniable talent.

Site de l'artiste / Son Myspace

CHET BAKER - LET'S GET LOST

Dr Bou — 2008-07-29T17:28:43Z

Voir Let's Get Lost, documentaire réalisé en 1988 par Bruce Weber sur le jazzman Chet Baker, c'est d'abord se confronter à un choc visuel. Un choc à double sens. Le premier esthétique renvoie aux plus beaux clichés photographiques sur le jazz. Un noir et blanc sublime qui confère au documentaire un charme prégnant et intemporel. Le second choc est associé à l'image de Chet Baker, chanteur, trompettiste tout aussi connu pour son élégance musicale que pour son image de bellâtre juvénile. Dans Let's Get Lost, cette image a disparue, Chet ne ressemble plus à ses photographies de jeunesse mais à un parchemin vivant, visage marqué, ridé, mains ravagées par le temps et les excès. Lors du tournage en 1987, le musicien américain avait cinquante sept ans (il est mort un an plus tard) mais en réalité, à l'image, il en paraissait déjà vingt de plus.

En évitant soigneusement le biopic pompeux et scabreux (quoi de plus facile de ternir la vie d'un homme au regard de la beauté de son oeuvre), Bruce Weber filme avant tout un homme et un musicien. Deux facettes d'un même personnage, capable d'être le plus abject des hommes comme le plus admirable des musiciens. Drogué et tourmenté dans la vie, romantique et chaleur sur scène ou sur disque. Une dualité que l'on voit à chaque instant du documentaire qui oscille entre témoignages, interviews (de ses femmes, de ses enfants, de son producteur) et road movie esthétique (alternance entre scènes de plage, bars anonymes et séances studio).

Un équilibre parfait sans voyeurisme outrancier qui souligne par petits détails et non dits, les tenants et les aboutissants de la vie du musicien et de toutes celles qui l'ont croisé en chemin. Car le point fort de Let's Get Lost c'est de ne pas centrer uniquement son propos sur les témoignages forcément subjectifs de tout un chacun mais d'en apporter d'autres pour les contrebalancer, les contredire et en favoriser les détails. C'est ainsi par ces petits bouts d'interviews que le spectateur retrace la vie d'un des plus grands musiciens du jazz, de ses débuts vierges et sobres jusqu'aux interminables descentes aux enfers entrecoupées de rédemptions musicales.

Au-delà de son propos et de l'histoire de Chet Baker, Let's Get Lost peut s'appréhender comme l'antithèse du Portrait de Dorian Gray. Dans le roman d'Oscar Wilde, le protagoniste reste éternellement jeune et beau tandis que sa peinture subit, elle, les affres du temps. Ici c'est l'inverse, l'homme est méconnaissable mais son oeuvre et sa musique reste incontestablement intemporelle et magnifique et c'est avec un plaisir non dissimulé que l'on (re)plonge dans cette voix soyeuse et mélancolique.... My Sweet Valentine...

Site du film / Site de Chet Baker (non officiel...)

V /A : LIFE BEYOND MARS

Dr Bou — 2008-07-03T20:10:08Z

Comment faire du neuf avec du vieux ? Comment remettre aux gouts du jour un artiste oublié ou en passe de l'être ? Comment redorer la carrière de ceux qui, en leurs temps, ont bouleversé leurs décennies ? Grandes questions auxquelles l'industrie du disque répond par l'album de reprises. Simple, efficace et familier, l'album de reprises (ou de remix au choix) permet élégamment de mettre en avant des jeunes pouces au service d'une vieille légende de la pop music. Les exemples en sont nombreux et on pourrait citer parmi les dernières sorties celui consacré à Bob Dylan via la BO du film I'm Not There ou celui consacré à Michael Jackson à l'occasion du vingt-cinquième anniversaire de Thriller.

En ce début d'été c'est à David Bowie de faire les frais d'un album de reprises interprétées par une partie de la scène electro. Original dans son approche (faire la part belle à l'electro plutôt qu'à la pop), Life Beyond Mars ne déroge pas à la règle du genre et oscille entre petites merveilles et franches déceptions. On commence par la négative et sa kyrielle de reprises estampillées années quatre-vingt. Certes les années quatre-vingt sont très prisées en ce moment collent parfaitement à l'univers de Bowie mais les écoutes de Loving The Alien (Heartbreak), Magic Dance (Kelley Polar) ou Ashes To Ashes (Leo Minor) constituent plus des pas en arrière que des relectures éclairées. De même, la reprise de Susumu Yokota (Golden Years) s'avère un brin décevante surtout si on la compare à ses merveilleuses compositions personnelles.

Côté bonnes impressions, nous retiendrons la reprise de Au Revoir Simone (Oh ! You Pretty Things), classique mais impeccable et la reprise de Carl Craig (Loooking For Water) imparable. On retiendra aussi la reprise de Faultline, en compagnie de Richard Walters, toujours aussi envoûtant (Be My Wife) et la découverte de Drew Brown qui signe une admirable comptine electro bien éloignée de l'original trop grandiloquent (Sweet Thing).

Reste tout de même un ovni, une reprise comme en nulle autre pareil, celle de Life On Mars interprétée par The Thing. Déstructuré, réduit à sa plus simple nudité et parsemé de bruits, Life On Mars dévoile des charmes insoupçonnés et propulse cette reprise à des années lumières de Bowie. La plus belle réussite de cet album.

Site de David Bowie / Site de l'album / Site du label